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Crítica: “Dong” (Jia Zhang-Ke, 2006)

dong_posterLa imagen como dilema:

El mundo-imagen es la superficie de la globalización. Es nuestro mundo compartido. Empobrecida, obscura, superficial, esta imagen-superficie es toda nuestra experiencia compartida. No compartimos el mundo de otro modo. El objetivo no es alcanzar lo que está bajo la superficie, si no ampliarla, enriquecerla, darle definición, tiempo. En este punto, emerge una nueva cultura”. (Susan Bucks-Morrs).


La vitalidad de la gente es asombrosa, incluso en un entorno trágico o en una condición de total desesperación, descubres que la vida es conmovedora. Es como un árbol, crece libremente”. (Liu Xiaodong).


Zhang-Ke, tras experimentar con el video digital en esa pieza cercana al video arte llamada “In public” (2001), retoma el estilo para rodar un documental sobre Liu Xiaodong, un pintor reconocido en China y cuya relación con el arte y con la problemática del país. Lo que en su día Víctor Erice rodó sobre Antonio López García en “El sol del membrillo“, Zhang-Ke hace lo propio con Liu Xiaodong en “Dong“.

En este documental, -que a veces parece moverse en terrenos de ficción, sobre todo cuando se olvida del pintor y la cámara sigue a otros personajes (modelos, etc…)- podemos observar esa búsqueda de la obra perfecta y el laborioso proceso de creación de un lienzo que poco a poco va siendo perfilado, pulido y perfeccionado.

Resulta curioso, pero al ver los cuadros de dicho pintor (por cierto, muy del estilo de artistas como Edward Hopper), a uno, irremediablemente, le vienen a la cabeza escenas de las películas de Jia Zhang-Ke, como si dichas obras pictóricas, de alguna forma hubieran sido trasladadas a la pantalla. Al amor que siente el realizador por la pintura de Xiaodong se podría unir el impacto que le supuso el cine de Wang Xiaoshuai, sobre todo su “The Days” (1993).

Podríamos encontrar claras similitudes entre “Dong” (2006), el siguiente film de Jia: “Naturaleza Muerta” (2006), y “The Days” (1993), de Wang Xiaoshuai, otro de los directores clave de la Sexta Generación.

The Days” nos cuenta la historia de un pintor y su sufrimiento diario, con una relación de pareja –con unas claras referencias al cine de Alain Resnais (“Hiroshima mon amour” (1959)) o Maurice Pialat (“Nosotros no envejeceremos juntos” (1972)) entre otros- la cual parece rota pero que no termina, está como en trance o en suspensión. A la vez, todo ello le sirve a Xiaoshuai para hacer una crítica poderosa sobre esa sociedad tan decadente y engañosa de su país y sobre ese desencanto generacional.

A parte de Resnais o Pialat, también podemos ver ciertos elementos del cine de Bresson como el uso de la voz en off, una tremenda fisicidad, fragmentación de cuerpos en los planos, un gran trabajo con el fuera de campo, y en el cine de Antonioni sobre todo por la relación extraña de la pareja y la atmósfera que se respira en la película.

The Days” es un cinta de un realismo puro, con un blanco y negro de una textura llena de grano puramente deudora de la nouvelle vague, en la cual parece trasladar a pantalla esa ansiedad social y un futuro poco prometedor de un pintor, el gran riesgo que conlleva esa profesión y más en un país como el suyo.

El papel principal es interpretado justamente por el protagonista de “Dong” (2006), Liu Xiaodong, cerrando así como una especie de ciclo o convirtiendo las 3 obras como en un legado crítico y a la vez una especie de trilogía sobre el poder de la imagen y sus diversas capas.

Dong” y “The Days” serían como un retrato de la relación hombre-arte y “Naturaleza muerta” el resultado de dicha relación.

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El pintor explora los rostros, como un símbolo histórico único buscando a la vez la fuerza y la esencia de los cuerpos, mostrando a través de ellos todo ese mundo devastado y en constante destrucción. Si bien es cierto, en el primer cuadro si que otorga espacio en el encuadre y cierta importancia al entorno natural, cosa que en el segundo vemos que solo se busca la esencia pura del cuerpo sin paisajes naturales de fondo.

La obsesión de dicho pintor por guardar una distancia con el fin de erradicar su racionalidad contrasta con la de Jia Zhang-Ke por mantener una distancia ante los hechos, tanto en el sentido estético como ético.

Jia pretende reflejar en su film que la imagen pictórica (al contrario de la cinematográfica, que no es palpable) se apodera del vacío, como del espacio material, perdiendo así su carácter intangible. Y nos ofrece un debate abierto entre ficción y documental, dejándolo en el aire, en donde la imagen no solo se dedica a atrapar la realidad/imagen evidente (la superficie) sino que certifica la posibilidad de que en todo film puede haber signos de ficción. Esa lucha entre esos dos estilos se podrá ver también en su siguiente film.

En sus cuadros podemos observar una clara fascinación del pintor hacia el cuerpo humano. Dong aspira y consigue mostrar esa belleza de los cuerpos (su fortaleza está muy presente en el cuadro de los obreros, mientras que en de las modelos es todo más adoración a cuerpos perfectos) que sobresale a la hostilidad de un paisaje muerto. La belleza sobrevive a la decadencia.

Y es que en el fondo, no es gratuito que Jia Zhang-Ke nos muestre esos paseos del pintor bajo la lluvia en esa zona de alta industrialización, llena de humos, fábricas y chimeneas, muchas veces con un marcado tono minimalista y en donde su habitual colaborador Yu Lik Wai utiliza una fotografía oscura, sucia, de tonos metálicos.

Zhang-Ke compara toda esa realidad devastada, todo ese país medio inacabado y en ruinas con los frescos del pintor, ya que sus obras también parecen incompletas o ligeramente en ruinas. Xiaodong busca reflejar un impacto visual similar al que tienen en él las reliquias históricas, algo que será tratado de alguna forma por Zhang-Ke en la posterior Still Life, haciendo una comparativa entre el pasado y la actualidad y en como ha cambiado ese respeto al presente.

Liu Xiaodong nos habla también del sufrimiento del artista, de lo que conlleva una profesión de ese estilo, de que no suele haber parámetros para autoevaluar una obra. El pintor asume el compromiso de no estancarse y apostar por una constante innovación, nunca dejanr de lado la creatividad de uno y ser un fiel reflejo de su realidad, sobre todo a través de los cuerpos y sus formas. Un compromiso constante.

Como decía anteriormente, Jia tras 3 proyectos anteriores usando digital, vuelve a probar suerte con este sistema ya que le ofrece un sinfín de nuevas posibilidades para conseguir esa fluidez y movilidad en sus films y a la vez encontrar esa textura anhelada que desmaterializa la imagen.

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Aquí, de nuevo, tenemos secuencias largas y sin cortes (las escenas en donde sigue a las modelos ya sea por las calles o en medios de transporte) o algunas rodadas en lugares concurridos lo que dan fe de la gran movilidad que se dispone actualmente con una DV.

Algo también muy característico del cineasta es como muchas veces sigue a personajes hasta abandonarlos y dar protagonismo a ese paisaje como en ruinas, lo mismo ocurrirá en su posterior film pero de forma aún más acentuada. Como consigue llenar el plano para vaciarlo posteriormente de presencia humana y entregarlo a ese mundo.

Dong” es mucho más que un simple documental sobre un pintor, ya que se podría considerar como un estudio de la imagen y de la mirada. Por un lado tenemos el punto de vista nuestro (el paisaje, las fábricas, el entorno devastado, el pintor, las modelos incluso la presencia no mostrada del realizador), el punto de vista del pintor (su trabajo pictórico, sus reflexiones, su persistente compromiso, su obsesión por lograr obras innovadoras), el punto de vista interno (Dong también habla sobre la imagen cinematográfica, su distancia y sus límites) y el punto de vista externo (que serían por ejemplo las cámara de fotos, cuando los habitantes del pueblo ven esas fotos y sobre todo por como están captadas sus reacciones. O incluso la cámara digital de Jia. ¿Hasta que punto interfieren en la realidad?).


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